《平面设计论文优秀13篇》

在学习和工作中，大家都经常看到论文的身影吧，论文可以推广经验，交流认识。你知道论文怎样才能写的好吗？三人行，必有我师也。择其善者而从之，其不善者而改之。本文是爱岗敬业的小编帮助大家收集整理的13篇平面设计论文，仅供借鉴，希望能够帮助到大家。

平面设计论文 篇1

我国传统的美学思想理论是几千年来我国传统文化的重要组成部分，有着较为深厚的人文底蕴，包含了人文、哲学等观念学说，是一个较为复杂、庞大的思想体系。我国历史上，许多大家拥有自己的美学思想，这些思想理论在诗文、绘画我有着具体的体现。例如魏晋时期名士的美学观念重个体意识的纵情任性、重神韵、顺自然，重视人与自然的相和，把主题能动的审美意识与自然之势融为一体，在绘画和理论作品我体现出来的情感美学观所揭示的美的鉴赏与创造规律，对于现代的平面设计来说有着极高的实用价值。它深刻影响了设计者的审美观念和意识形态，使得作品的呈现形式和价值观念更加符合本民族的审美和精神需求。

二、我国传统的色彩观念

我国传统的色彩体系是十分独特的，它拥有着自己的色彩规律和色彩观念，从原始时代的单一色崇拜发展到后来的五色并用，我们祖先的色彩自觉性不断觉醒，色彩意识不断进步，其内涵也逐渐丰富，蕴含着具有民族文化特性的理性观念。红、黄、青、白、黑五种颜色代表着尊贵和权威，奠定了传统色彩的美学基础。后来，随着儒道思想的不断发展，审美思想转而讲究返璞归真，回归自然，于是就产生了追求平淡素净之美的色彩观念。这些都对我国的现代平面设计产生了深远的影响。例如，现代的平面设计经常将色彩语言与传统的色彩意境相结合，表现出强烈的民族特色；黄色在过往的封建社会代表着皇家的权威，现在则经常用以表现雍容华贵的意境；佛教往往是以白色和金色作为基础色调，用白光的鲜明引发人们的视觉关注，纯净的白也往往容易冲击人们复杂的心灵，促成人们情感的升华和精神的超脱。又如现代的海报设计，经常采用黑色或者灰色为基础背景色调，简洁而又鲜明地以红色突显重点，给人们造成强烈的视觉冲击，从而使表现效果更加显著。实际上，这些恰恰是我国民间传统的明暗色彩运用形式，主题鲜明，是现代的平面设计与传统色彩运用法则相结合的完美体现。

三、我国传统的书法艺术

书法艺术是我华民族美学文化的一个典型代表，不管是小篆还是隶书，都有着自己独特的魅力，起承转合，粗细相接，构图匀称，其象征化、形象化的特点也暗含了传统民族特色的审美意象和美学观念。现代的平面设计离不开文字来传递信息，并通过丰富多彩的装饰性文字来美化主题。现代平面设计对于汉字的利用最典型的就是北京奥运会的“京”印，作品通过我国传统的篆刻手法加以体现，以“京”字的变形作为主体，通过一定的书法艺术的变形，既体现了北京奥运会的独特地缘文化，又能够很好地展现我国传统文化的魅力。另外，我国香港的“飞龙标志”也同样利用了“香港”二字的汉字造型，两个文字在图案之我相互交汇，在视觉效果上既传达出了时代感，符合香港地区的文化特征，又体现出了香港地区与内地不可分割的紧密联系。并且，图案的色彩采用了红色，动感十足，传达出了香港地区充满活力的精神风貌。

四、我国传统艺术的相互交织

我国的传统艺术，如诗文、绘画、音乐、建筑等都蕴含着独特的美学特征，有着自己独立的体系，他们都是以我国传统的美学思想为理论基础，在发展过程我相互影响、相互交织。汉字和色彩的特点影响着诗文、绘画的创作，而诗文、绘画的创作又会影响到园林、建筑的设计。在现代平面设计的过程我，各个体系之间的相互借鉴也成为丰富作品形式和内涵的重要途径。

平面设计论文 篇2

出于职业的因素，对绘画与平面设计的异同性，一种人认为，只要有绘画的造型功夫，设计便不成问题；而另一种人则认为，设计就是设计，有绘画的造型功底不见得就懂设计。持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则一般为职业设计师。本文就此话题谈几点看法，欲起到抛砖引玉的作用。

1．现代绘画是个性的表露

绘画的意义在于创新，而创新只有通过“个性化”才能够得以实现，重复的绘画没有生命力。回顾绘画发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品。每一位巨匠都具有自己的典型特征。画家，尤其是现代派画家，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上。通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家，都会有自己独特的审美个性。画家必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。这方面，梵高无疑最具典型的代表意义。梵高于他生前极其艰苦的条件下所创造出的大量个性化作品从未卖掉过，就是因为其作品的极端“个性化”，以致不能被人们所接受。

现代绘画个性化的表现还体现在五花八门的创新手法上。当今的世界正走向一个信息高度发达的社会，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家思考的问题。在西方艺术表现形式日趋复杂多样的今天，架上绘画似乎处于一种低迷的状态。前卫艺术家们为了表现具有个性的独创性，往往将一些不同种类的艺术式样相结合，以完成自己的艺术创作。这些光怪陆离的所谓“个性”的艺术品在现代艺术展中司空见惯，艺术家们完全不必考虑观众能否接受，而只表现自己的创新。

2．依附性是现代设计在商品经济中的本质反映

设计与绘画最大的区别在于其对商品的依附性上。设计作为商品在为市场服务时必须具备“包装”价值与“使用”价值。要想赢得客户的信任与满意，最终实现设计的价值，就必须通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销的日的。

现实中几乎每一位设计师在为客户提供设计服务时，都会尽量去迎合和满足客户的需要。一方面设计师必须站在客户的角度去揣摩他们的心理，以使自己的设计方案得以通过。另一方面，客户可能对市场的把握了解远胜过设计师，设计师不得不服从客户对他提出的要求。在设计的过程中，设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，也许自己认为很满意了，但最终的评判还是客户对其设计能否通过。

在这里有一种情形可以肯定，那就是被客户选中的未必就是“好作品”，而未通过的设计不一定就是“坏作品”。我们常常可以碰到这样的情况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中的某个方案很满意，而客户往往选中的却是设计师自认为“陪衬”的方案，最终的裁决权当然是客户。设计师只有屈从于他们的“上帝”，这就是市场。

设计对商品的依附性还体现在“市场”是设计的指挥棒。市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。如1991年海湾战争爆发之初，欧洲主要工业化国家的生产过剩，消费匮乏，市场处于严重的经济萧条状态，生产停滞不前。荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家服务时得到的回答是：“经济不景气我们暂时不需要设计，现有的设计就足够了”。还有另一种情况是，当市场上某种产品在卖方市场状态，产品供不应求，厂家对“设计”也会不屑一顾。

3．对混浊美的追来是绘画艺术的本质体现

绘画与设计的区别不仅仅体现任“个性化”与“依附性”方面，还体现在对形式美规律追求的差异性上。

“混沌”一词是“指宇宙形成以前模糊一团的景象”。中国人喜欢含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”本身就体现着一种不确定的耐人寻味的特征，这和中国的古哲学与宗教有关。中国古典绘画所表现的“空灵”、“气韵”，以及“墨分五色”，用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都在于这种“混沌”之美。

这些手法在设计中也偶尔能见到，但一般来说仅是借用绘画的表现手法，以增强设计的艺术性而已。它们不是设计的最终目的。我们从杉浦康平等大师的作品中就可以体会出这一点。具体来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从表面上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境界，而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现代设计的基本构造原理加以组合。这种“空灵”混沌美的境界只是作为设计的一种手段而不是目的。希望最终能真正反映出这套系列丛书的内涵。这充分表示出大师的独具匠心和对绘画与设计关系的把握上。

在西洋绘画方面，虽然流派众多，形式各异，但整体精神同样是在追求“混沌美”。古典油画尽管形态表现得细致、逼真，但其意境追求的则是深奥悠远，发现出不确定的“混沌美”。而现代派追求的则是标新立异，追求的是超现实荒诞的不确定性。米罗追求的是童趣的海底世界般的梦幻，体现着不确定的“混沌美”，柏洛克则拎着颜料桶在画布上滴洒而不拘一格，他似乎是更接近在追求着“宇宙形成以前模糊一团的景象”。

绘画对“混沌美”的追求还体现在对材料肌理的选择上。何种题材何种效果，需要何种肌理是绘画追求混沌美的表现之一。绘画，尤其是现代绘画，在一幅作品中选择综合材料已到了随心所欲的境地，多种材料的运用旨在加强画面的“混沌美”的效果，通过扑朔迷离不确定的材质肌理的运用，以达到变化多端的目的。

4．秩序美是平面设计的核心体现

设计不同于绘画还体现在对秩序美的追求上，现代设计对实体的进一步把握是形式法则。形式是实体的具体化、丰富化、精确化。可以看出德漠克得特以原子结构来解释宇宙实体的内在形式，毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体的外在形式，他们从天空星辰的布局中悟出了点、线、面的几何关系，从而把数推为宇宙的本体（“宇宙”这个词在古希腊就包含着和谐、数量、秩序等意义）。

在设计方面，数对设计的影响，远的不说，仅从近代有关设计的理论，对平面设计的贡献就可以看出它的重要性。如瑞士设计家约翰·契肖德所发明的数字逻辑形体设计在书籍设计中的运用。再如设计家罗尔·罗塞利奥对哥特式圣经内页边缘数值比例的发现，即著名的九段划分法，他求出了开本宽度尺寸的一个1／9作为内边，两个1／9作为外边，开本宽度尺寸的一个1／9作为天头，两个1／9作为地脚的规律。而在1946年，方·德·格拉夫根据罗尔罗塞利奥的九段划分法，求边缘的比例图，发现了用几何计算的简单方法取代九段划分法，这种方法被称为“蛇瓜式划分法”。

在现代设计史上对20世纪影响最大的代表人物是勒·科布歇。他运用建筑学的基本理论根据人体比例进行黄金分割，被称为模数设计体系。模数最初对于建筑形式有着重要的贡献，后来被运用到平面设计中。模数理论的基本原理就是对太阳神的肚脐、头顶和伸直手臂的指尖进行分割。之后勒·科布歇将之变为44个长方形进行空间分割。模数体系的核心，就是试图利用人们对级数变化心理反应所产生的秩序美进行设计。在勒·科布歇发明模数之后，欧洲各国设计师纷纷运用这一设计原理并将之进一步推进，最终形成了网格设计的理论体系。网格设计体系把几例分析法和数在平面设计中的运用提升到了空前的高度，其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清晰感。总之，它是以理性的数理为基础的形式法则在平面设计中的运用。

从上述的例证来看，设计的美感体现在有秩序的数理的韵律上，这点与绘画有着本质的不同。

5．平面设计的独立性体现在版式编排和字体形态上

绘画是以图的形态传达着信息，一幅好的绘画作品可以浓缩巨大的信息内容，是文字高度浓缩的载体，在某些场合它可以代替或补充文字的不足。虽然如此，由于绘画与文字传播的功能存在着较大的差异，绘画作为单独的艺术形式其画面不存在文字的说明。既然绘画艺术可以无文字表述出现，故此它也就不存在版式编排问题。

而设计无论是作为独立的艺术形式，还是特地为某种产品服务，都必须有文字的说明。只有通过文字形态的存在，其自身价值才能够得以充分体现。现代平面设计作为版面设计（typography）有两种意义上的版式编排：一种是图形与文字的结合，另一种是纯粹文字间的自由组合。这两种形式均可称为版式设计。但无论哪一种形式的版式设计都离不开文字的存在。一方面版式编排需文字组成，另一方面文字本身形态的差异也丰富了版式编排的多样性。

从世界范围来看，各国各民族文字其形态演化的过程都来源于“画图记事”，与图相联系。如果把这种“图形”称之为“绘画”的话，那么文字和绘画在他们幼年时代本是同根同源。但从现代设计的角度或世界文明史的进程来看这一问题，就会发现文字的形态特征显然已完全抽象地“独立”于“绘画”了。此外，在近一个世纪的现代设计发展历程中，前辈设计师们在实践中总结出了一系列版式编排的形式法则，构成了现代设计的基础理论，如：比例、力场、中心、方向、对称、均衡、韵律、对比、分割等，以及黄金分割在设计中的运用，德国标准比例、动力对称学说、草席形、立体派格调、螺旋形、模数等等都集中体现了平面设计的独特语言。而影响版式编排艺术性的“字体形态”已逐渐发展成为新的设计学科。从本世纪初至今，西方许多发达国家相继成立了字体设计公司并在高等学校开办了字体设计学科。亚洲的日本、韩国等也没有相应的机构。由此可见，设计有别于绘画是独立于绘画而具有时代特征的专门学科。

6．绘画与设计的差异性体现在各自的实现方式上

由于绘画与设计存在着巨大的功能上的差异性，同时，在工艺制作的实现方式上也就存在着本质的区别。

绘画虽然是一门艺术，但在制作过程中技术的成份占有相当大的比重。如果说绘画在艺术的前提下，是一个运用新观念新手段的创造过程，那么绘画在其技术中所包含的材料、技巧等一系列因素则是完成和实现这种创造性思维的最重要的手段。

前文中曾提到的绘画是个体劳动并突出表现“个性”的单一行为。因此，这就决定了某一绘画作品，绝对不能重复出现，并且呈现给观众的必须是“手工”制作的真实的肌理材料。如油画，是用以油为结合剂的油性颜料画在布面或其它材料上。国画则以笔、墨、宣纸、帛以及水溶性颜料为主要肌理特征。

而作为设计，其产生和发展都由“商业”行为而来，是随着商品经济的激烈竞争而出现的。它的目的是为整个市场服务，具有显著的商品特征。在其“实现”方式上必然是在脑力劳动与机器大生产相结合的物化过程。在过去近一个多世纪的发展历程中，设计从来都是以机器印刷的方式来证明自己的价值。它从未脱离过大机器生产而独立存在。即使是在国际各种设计比赛中，设计作品的机器生产工艺水平也是评判的重要着眼点。现今时代变了，科技又有了长足的进步，电脑的产生无疑给设计业带来革命性的变化。设计作品的“生产”方式更加体现了机器的智能化、工业化和系列化，越来越显示出“机器”的重要性。因此作为一个设计师不仅应懂得设计还要懂得机器的印刷功能，印刷装订工艺，甚至还要懂得在何种状态下，机器墨色套排序列会对作品产生什么样的效果，纸张的品牌、种类、性能将会影响设计作品的怎样质量。

综上所述，绘画与现代平面设计有着巨大的差异。二者之间的关系属于两个不同性质行业之间的关系——是实用性与观赏性的关系；是多层次、多社会性的理性思考与情感宣泄，表现个性才气的关系；是体现工业化的生产技术水平与个体艺术者之手工技巧的关系……

平面设计论文 篇3

现代生活的多样化使得人们对于艺术所传达的信息的关注度有所下降，因此如何吸引受众，使其接受设计者的平面设计所表现出的观念和感受成为值得思考的问题。针对这样的问题，就需要抓住人们对于平面设计的不同需求，确保设计能够展现出更加丰富多彩的形态。因此，在综合材料的视觉形态的应用中，就可以把握住这一点，从材料形态的丰富性方面入手。众所周知，平面设计的视觉语言所呈现出的丰富性要依靠图形视觉来实现，而图形视觉又可能因为受众的情绪和材料自身的变化有所不同。所以随着设计理念的变革，设计者如何抓住材料的特性将其丰富的形态展现出来，这个观念引人深思。不同的材料具有的特点和同一种材料在不同环境下呈现的不同特点使得平面设计中的视觉语言有着深刻的内涵，丰富着设计者艺术语言的诉求。因此设计者就应该把握这一原则，在进行平面设计时充分利用综合材料，确保其能表达出丰富多彩的艺术语言和魅力。

2综合材料在平面设计中可以表现出强烈的冲击力

随着时代的发展，人们已经由对文字信息的关注转向对视觉图像的关注，视觉成为关注生活、感受生活的最主要方式。但是在众多视觉图像的刺激下，人们的耐受性也有所增加，普通的图像已经无法吸引人们的眼球。所以，一个好的平面设计作品必须能够发挥材料的独特性，从造型、空间以及语言的表现等方面和传统艺术与设计区别开来，只有这样才能提升平面设计的视觉冲击力，让人对该作品产生深刻的印象，过目不忘。另外，生活中新鲜事物层出不穷，这就使得人们对于一件事情的关注持续的时间很多，也就是所谓的“喜新厌旧”。大众这样的心理也就决定了设计者必须在作品中一直体现出创造力。前面提到，材料的形式与组合形式多样，因此设计者就可以将不同材料进行统筹整合，借助其自身的形象色彩，再加上设计者的独具匠心，给予人们一种视觉上的强烈的冲击感，从而使设计作品更长时间保留于观赏者的脑海中，并产生一定的共鸣。

3平面设计中的视觉形态凭借材料凸显作品的创意

人们对于平面设计的关注，不仅仅局限于其画面和内容的表现，还往往更关注于设计者的独具匠心的创意。一个优秀的平面设计作品，在满足设计的基本目的以外，还应该传达出一种创新的灵感，综合材料就为设计者提供了条件。通过材料，设计者就能为人们展现更加多样化的创意思维。设计者通过充分挖掘材料的各项原始特征，在其艺术加工之下，就可以让综合材料焕发生机。这样一来，通过对材料自身所具有的独特形态和肌肤纹理等的精心搭配，就能够使平面设计作品展现出丰富的内涵、充足的想象力。因而在实现平面设计根本目的的同时还可以提升设计的表现力和创意。因为各种材料本身都是来源于生活，设计者通过自身的敏锐观察对其进行艺术加工，相较之下它所体现出来的创意性能比传统的平面设计更引人注目。

4结语

综上所述，综合材料的应用为平面设计带来了新的活力，拓展和丰富了平面设计的表现张力，从而使得平面设计能够最大化的发挥效用。但是我们也要意识到，在将综合材料的视觉形态应用到平面设计中时，不能仅仅是将各种元素堆砌组合，而是融入设计理念。只有这样，才能做到综合材料的充分利用，从而保证平面设计的表现力。

平面设计论文 篇4

塔山瑶族传统服饰男女有别，在各个年龄段中也有严格的区分。其中男性、年幼、老年阶段的服饰纹样相对简单。从服饰的使用性质方面来说，大概分为：衣服、首饰、裙类、头饰、束带及鞋袜类六大类。头饰包括：铜铃帽、角帽、顶板架、包头帕、头帕、顶板帕、小帕（又称帕端）。衣服有：长大褂和褂子。裙包括：围裙和胸裙。束带包括：须帕（特指无须帕）、大带子、绑腿。鞋袜包括：布袜、布鞋——有翘龙鞋和镶边鞋。各个部分都有其具有代表性的纹样和色彩。

2塔山瑶族头饰纹样

上衣与头饰是服饰中突出的部分，而在塔山瑶族的装饰中是重头饰轻上衣。头饰是与其年龄性别等社会关系有重要的关系。铜铃帽：供未成年少女用。塔山瑶族铜铃帽的面料是青色、里料是深蓝色蓝布。帽布上绣制精美的纹样。纹样以规矩纹样为主，配以少数适合纹样，帽布中间不施花纹留出其背景色或者底色。大部分的是以面料为底子用五色的丝麻线绣制纹样，少部分的用绣纹覆盖了面料，颜色富丽鲜艳。一般用橙色、红色或黄色，以橙色勾勒、红色系为主体颜色。后长前短，配上小绒毛球与银质的小铃铛，尾部挂小串珠“，铜铃帽”瑶语为“咚啷木”。顶板帕（顶板布）和包头帕、小帕属于头帕。顶板帕（顶板布）就是置于顶板架之上的顶板布，瑶语谓之“bengba”，是成年的未婚女性（15岁直到出嫁）用的。这也是塔山过山瑶的特色，类似清朝宫廷妇女头饰。是人物合一的饰品，用自己所蓄长发和支架构成。也有比较精致的顶板布装饰，又加了红绒球、银丝线的边饰。［3］包头帕主要由高龄女性和男性使用的。男性的头帕分二种：一种是二头带须的头帕称之为须帕；另一种是没有带须的谓之无须帕。小帕，瑶语为“帕端”，是单层的，大小为长1.8尺、宽1.2尺，四周围用红丝线或白线扎角，属于女性在各个时候都需要的。这是女性的终身使用品。塔山瑶族头饰的纹样的构图方式是以二方连续为主，以银色为点缀，利用支架形成三维效果，使整个形象趋向立体。在现代的招贴设计中，在大环境扁平化的趋势下，越多的设计师倾向在大面积扁平化的构图中寻找点缀的立体化。在这一点上，塔山瑶族头饰的纹样设计和当今平面设计中的设计理念有异曲同工之像。而利用线条的立体展示，也可以用于平面设计中，特别是Logo设计中，在有限的空间里展现无限的效果，形成夺人眼球的醒目效果。

3塔山瑶族上衣纹样

塔山瑶族上衣以素色衣裳为底，边缘刺绣为辅，纹样和花色不多，构成十分美观。长大褂：棉质青布，单层，衣摆过膝至小腿上方，为对襟，不定纽扣，下摆开叉至大腿，衣领、衣袖为丝线绣2～3寸的宽花边，或者用红、蓝小布条加花边镶边。纹样以蝙蝠纹、盘王像风车纹、八宝花纹、梅花纹等为主纹，以锯齿纹、水波纹、平行纹、抽象人形纹等为辅纹，作为间隔或者锁边。褂子：即马甲为里蓝、面青、双层，下摆到臀部。缝制后在双肩部锁缝红色丝线，黄色丝线加花，襟钉5～7颗银质纽扣，男女同用。塔山瑶族上衣的纹样以大面积的蓝色、青色为主，以红色和多色纹样勾勒边缘，其颜色搭配符合现代的色彩审美，蓝色和红色、黄色进行撞色。由于其传统的染织技术，其色彩饱和度不高，颜色都有灰度。所以，颜色虽是对比色，但是其灰度的加入使得撞色的颜色达到了一定的和谐度。在书籍装帧设计中，颜色的和谐和对比可以运用到塔山瑶族上衣的颜色搭配法则。

4塔山瑶族裙裤的纹样

塔山瑶族服饰的裙类与其他兄弟民族女孩不同，它包括胸裙和围裙。整体底色为黑青色布，间以蓝色红色，形成“回”字形纹样。裤子为素色，庄重场合塔山瑶族人也穿带花边的裤子。胸裙，女性挂在胸前到腹部的一块上小下大的长二尺的裙。制作过程繁杂，上半部用多种颜色丝线绘制出多种纹样，上口部一般是白底半月形，绣有星状纹样，少数也以鸟纹和三叶草纹为花纹隔断。下半部的周边用蓝色、红色的小布条加花边进行镶边。使用时挂1～2个胸裙，佩银牌、银链。在塔山瑶族裙裤设计中，以大面积的纯色运用形成远视效果。在招贴设计中，我们强调距离设计，通过大面积色彩运用、个性化图案运用、画面透气性处理等方式进行设计，为了达到远距离醒目的效果，此来突出商品和宣传。

塔山瑶族服饰纹样的美经过了历史沉淀美，不仅仅包括大自然的美，还有文化、社会、审美心理层次上的人文美，它更加值得我们研究、保护和传承。通过将其历史文化资料的搜集和汇总，我们从中学习到很多纹样组织、构图、色彩等方面的审美意识，能够从我国独特的民族风格中学习到现代平面设计中的运用法则，能够更好地传承我国的传统文化和特色民俗艺术，也是我们现代平面设计和历史、本土民俗的一个冲撞和融合，能够设计出更好的民族的国际化的平面设计作品。

平面设计论文 篇5

在当代平面设计中运用美术符号，不单单能够对民族文化进行传承，同时还能使设计的内涵更加丰富，使符号被赋予更加深刻的意义。本文所指的民间美术符号，是指在平面作品设计中的一种文化语言。而作为色彩和图形等元素，民间美术符号一旦被作为符号，在当代平面设计中被运用，则起到了对民族文化进行传承的作用，同时对普通民众的喜好情趣和民族审美理想进行了诠释。民间美术符号不单单是变形和夸张了自然万物形态，同时它形成的文化背景和心理根源还极其深刻，所蕴含的文化内涵也极其丰富。

二、民间美术符号在当代平面设计中运用的意义

我国具有极其深刻的文化底蕴，特别是民间美术符号种类繁多、历史悠久，它来源于人们的生产和生活，是长期以来文化的积淀。因此，它的表达方式即简单，又通俗易懂，诠释了浓郁的生活气息，皮影戏、陶瓷等等，都是民间美术符号的表达形式。它在不同的风俗习惯下，得到了传承和发展。将民间符号运用到现代平面设计中，具有非常重要的意义。

1、由联想生成的意义

在民间美术符号中，大量存在着联想性的色彩和图形，由于现代人具有丰富的思维方式，通过联想，能更深刻的理解画面的意境，进而在设计的作品中，引发强烈的共鸣，真正的实现了和符号融为一体的目的。在受众的记忆中，存在着个各种视觉符号，它们互相补充和依托。在设计师的巧妙设计下，将受众的感受力充分调动起来，通过传达联想的认知方式，使观众对这样的讯息更愿意去接受。

2、由推理实现的意义

民间美术符号体现了独特的民族风貌和各个民族的文化，在跨文化的传播中，能对设计创意更有效和简洁的传达，以实现一种文化传播的最高境界，即民族的就是世界的。民间美术符号在当代平面设计中产生了意义，对民族心理的发展和延续进行了体现，同时也进一步强化了民族的审美特征，是民族自豪感的最好的验证。在历史发展的过程中，我们要对民间美术符号的美学特征和艺术形式更好的吸收，同时还要对其蕴含的信息更准确的传达，不单单要对其外在的形式美感进行注重，同时也要对其内在的意义注重，这样才能在现代平面设计中，更好的运用这种信息的载体。

三、民间美术符号在当代平面设计中的运用

我国民间美术符号因为具有较强的表现力、丰富的含义和多样化的特征，而在当代平面设计中有着广泛的应用，能够对平面作品的意义更好的传达，是对主旨情感进行表达的有力工具。将民间美术符号运用到当代平面设计中，可使平面设计的艺术感染力增强，营造了一种浓郁的艺术氛围。在当代平面设计中，民间艺术符号的具体运用，有以下几种方法：

1、在平面设计中直接运用

特定时期内文化风俗习惯，是民间美术符号的载体，民间美术符号极好的诠释了大众的情感。将民间美术符号运用到现代平面设计中，可促进对平面设计中作品主旨的体现。并且借助于相应的美术符号，体现人们的情感。将美术符号直接运用到当代平面设计中，可依据作品的表达，对民间美术符号进行选择，并进行适度的在加工。在设计风格上，体现极强的民族气息，充分调动受众的兴趣。塑造创新性，是直接运用民族美术符号需要注意的问题，因为这种文化艺术形态是大众所喜闻乐见的，所以只有具有创新性，才能吸引受众的注意力。

2、间接运用民间美术符号

和直接运用的形式相比，间接运用的方式并不显著，需要立足于受众的审美观念，含蓄的借鉴美术符号，运用到当代平面设计作品中。通过对民间美术符号情感和神韵的吸收，对平面设计所需要的意向气氛进行营造，让受众无限遐想。

3、对民族符号进行转换运用

在现代平面设计中，还需要转换美术符号，满足具体需求。即立足于具体需要，在一定程度上，重组和转换民间美术符号，来满足平面设计的具体需求。当代平面设计作品，往往即需要具有现代设计风格，同时又能对传统的民间艺术神韵进行彰显，这样的运用方式，通过再创造民间美术符号，使当代平面设计与当下受众的审美取向相吻合。

四、结论

我国民间美术符号是传统艺术精华的承载，其特点及其鲜明，彰显了我国本土文化艺术特征。而我国传统民间艺术符号在艺术的神圣殿堂中，深刻的影响了当代平面设计艺术的发展。并且二者之间又不断的融合和发展，将传统民间美术符号运用到当代平面设计中，不单单可使当代平面设计的艺术性增强，同时还能对当代平面设计的传统内涵和文化底蕴更好的体现，使其拥有强大的艺术生命力，体现中国风的独特魅力。

平面设计论文 篇6

（1）书法艺术具有的特征

在世界传统的艺术形式中，书法艺术是我中华民族所独有的一种艺术形式，主要要利用汉字的行次章法、点画结构、用笔用墨等造型，使人的情操、品格以及气质得到表现，以此来实现美学的境界。从形式上来说，书法艺术对线条美有刻意的追求；从内容上来说，书法艺术能够突显出民族的灵魂。

（2）平面艺术与书法艺术的结合

对于书法艺术来说，自身就是对线形的一种设计，从汉字出现的那一天开始，这种对线形的设计就一直在不断地进行演进并升华。到今天为止，这种对线形的设计已经在全世界中得到了广泛的应用，大量的设计师以及艺术家都会借鉴这种艺术形式来进行创造，在平面设计艺术中也是一个宝典。商品要想在市场中与其他产品进行竞争，为了使青年人实际的消费要求得到满足，中国的设计人员在对现代商品进行设计的过程中融入了书法字体，这样就能够给现代商品的设计带来一种新的视觉效果。当前的设计人员对书法字体中的变化与创新更加地重视，同时，将书法字体作为一种图形元素来进行设计与创作。书法字体不但可以将商品的品牌明确的表现出来，同时还能够让消费者感受到商品文化中所含有的意义。设计人员在对吸收与借鉴希望的先进设计理念的时候也必须要重视对我国传统书法艺术美的弘扬与挖掘，使民族性与国际性能够完美地融合在一起。书法字体不但是一种图形，同时也是商品名，具有独特的动感与韵律美感。当前，有大量的平面设计都以书法作为表现元素。例如，劲牌酒的表示以及银行的表示等等，在其中能够感受到汉字所具有的魅力以及在平面设计中汉字所具备独有的影响力。

2在平面设计中，书法艺术元素能在其中展现出独特的魅力

（1）具有强大的视觉冲击力

在当前现代广告丰富多彩的形式之中，其中有大量的设计都对传统书法艺术进行了利用与借鉴。在当前中国的任何一个城市，书法大师启功先生所书写的照片和店名比比皆是，这种城市风貌突显出了中国特色，让我国的传统习俗在其中发挥出巨大的力量。其中非常明显的是，在广告中，应用良好的书法形式能够提高广告对群众的一种亲和力，特别是对具备较高文化修养以及知识水平的消费者而言，这种具备传统文化韵味的作品对她们具有更加强大的吸引力。

（2）具有强大的品牌传承力

在对标记进行设计的过程中，一些具有较强美感的艺术文字中都含有一定书法艺术元素，这样就能够让品牌标志的亲和力以及吸引力得到提升。例如，可口可乐、夏新、尼康、科大、电信、虎牌万金油等形式的文字表示，这也都非常容易被记忆，能够在人们的心里留下非常深刻的印象。人们常说“人如其名”，这也就说明了文字能够代表企业的良好形象，同时又能够作为广告的一种载体，绝对不能小视。在当前的时代背景下，品牌之间的竞争越加激烈，在现代市场的竞争中，好的品牌标志能够起到一个非常关键的作用。使书法更加的艺术，同时在品牌标志中进行融入，就能够让品牌标志的文化气息更加的浓厚，更加有深度，所以，也会使品牌的影响力和号召力得到提升，与图像符号相比，文字要更加的丰富，更加的深刻。

（3）具有强大的广告创意表现力

想要使设计的主题更加的深化，书法艺术所蕴含的美感能够起到非常关键的作用，使设计效果更加的突出。书法艺术所具有的人文色彩非常的浓烈，所书写的字体中的点、线、笔画能够对文字所蕴含的血、肉、筋、骨更加的突出，具有更加浓厚的生命节奏感与灵动感。当前的现代广告中，人性思想与人文色彩都较为缺乏，利用书法，在对现代广告进行设计的过程中，融入书法艺术，能够使广告具有更加浓厚的文化气息以及强烈的美感，具有强大的号召力，这些具有非常重要的现实意义。现代广告业的发达与我国的书法艺术有不可分割的联系。

3在高职平面设计教学的过程中书法艺术元素能够起到非常重要的作用

（1）在对平面设计课程进行教学的过程中帮助教师进行梳理

根据高职学校对平面设计进行教学的实际情况，教师必须要梳理课程的教学手段，有效地对设计理论知识进行整合，合理的提炼设计元素，传授给学生精华。在平面艺术设计之中，书法艺术就是其中的精华，受到学生与教师的喜爱与接收。书法艺术的体系非常的完备，属于非常独立的一门艺术，非常有利于教师进行提炼，能够帮助教师对课程进行设计与梳理。

（2）对学生的设计理念进行培养

在对高职平面设计课程进行教学的过程中，必须要对学生的设计理念进行培养，培养设计理念的过程中必须要对设计元素的提炼有一定重视。在现代平面设计之中，图形、文字以及其组合都是其中非常重要的几种构成元素。在当前的文字元素之中，我国的书法艺术元素具有非常强的代表性。直观地将所提炼的书法艺术元素传授给学生，让学生能够更加的容易接受与理解，让学生在进行设计的过程中能够产生一定的体现于感悟。对于书法元素来说，学生对其都非常了解与熟悉，有大量的学生都对书法艺术非常的爱好，还参加了书法协会对书法艺术进行学习。学生在对具有一定书法艺术元素的平面设计作品进行赏析与学习的时候，就非常容易理解，同时也具有非常高的兴趣。所以，学生在对作品进行设计的过程中，就能够自如的对书法艺术进行运用。

4结语

平面设计论文 篇7

中国传统绘画艺术是“线的艺术”与线性思维的代表，在中国传统绘画的艺术形式中，线条不仅是其最为重要的表现手段之一，而且有着极为特殊而又重要的意义。“以线存形”是中国画艺术最大、最突出的形式特征，因此在中国画的创作过程中，作者将线条作为造型的基础，用线条的穿插概括自然形象，进而表达情感思想，同时又是传神写照的主要载体。在中国画论中，宋代郭若虚在其《图画见闻志》中提出的“曹衣出水，吴带当风”是用于人物画中衣服褶纹刻画的两个非常重要的表现手法，同时也是形容画家将线条的运用达到了一种挥洒自如的至高境界。而现代平面设计在线条元素上的运用与中国画有着异曲同工之处，都是采用最传统的造型技法与对艺术的表现元素，展现了人们对艺术美的追求。在中国画中，线条时而跳跃交错，时而曲折波动，它既是画家在创作过程中心态与意趣微妙变化的深刻体现，直接有效地表达画家的思想情感与精神本质，同时也是画家与观众的心灵之间架起一道互相沟通的桥梁。在现代平面设计中，线条是从艺术中抽离出来，尽管它依然包含了设计者在设计时所流露出的情感，但设计中的线条更多是独立的、理性的，更倾向于“象征”和“纯形式”，能够代表情绪和较具表现力的视觉元素。设计中线条的曲直虚实构成了变幻莫测的图形世界，它在人的心里留下的是一种与其形式相契合的形式美感印象。将绘画中的线条融入到设计中，可以丰富设计的表现形式，我们将传统中国画的线条融入到平面设计作品中，更能丰富作品的思想内涵。当代著名设计师陈绍华先生在其代表作品———2008北京申奥标志设计中，以传统中国画线条为表现手段，与奥运五环的色彩相结合，很好地体现了中国画艺术的形式张力。尽管作品中只有中国画线条这一种表现元素，却充分展现了体育运动蓬勃向上的充沛活力。除此之外，线条的蜿蜒穿插不仅似传统的中国结，又似太极拳的动态形象，通过线条的舒展流淌传递出“中国结”和“太极拳”两个意象，将中国画的线条艺术与奥林匹克体育精神完美融合。

二、现代平面设计对中国画构图布局的借鉴

构图布局在绘画作品中有着极为重要的地位，早在一千多年前，南齐谢赫在著作《画品》中提出“六法”的绘画理论体系框架，其中“经营位置”对构图布局进行了详细论述；宋代著名画家马远与夏圭是在构图布局上独树一帜，故有“马一角，夏半边”之称；清代绘画理论著作《画筌》中提出：“无画处皆成妙境”，呈现出一种淡然、飘逸而又圣洁的艺术境界。这说明了中国画与西方绘画在构图布局上的差异性，西方绘画采用焦点透视，相对较为理性，符合人的视觉真实，讲究科学性；而中国画采用的是散点透视，画家打破了空间的局限，从多个角度对客观景物进行描绘，在构图布局上追求与营造画面的形式美感，表现一种以神逸、气韵、意境为美学原则的意象世界。因此，中国画构图灵活，可以充分表现空间跨度比较大的景物，追求画面上点、线、面所形成的节奏与韵律感。现代平面设计对中国画构图布局的借鉴表现出了极强的继承、发展与创新的趋势，二者本质都是充分调动画面中各种元素对画面进行整体美的构造，进而产生自然美、形式美、精神美与功能美融为一体的审美形态。这种对构图布局的借鉴主要体现在以下两个方面：

（一）疏密关系在中国画的构图布局中

疏密关系是一个非常重要的手段，画面一定“密”不透风，“疏”能跑马，注意“凝聚”与“疏旷”的对立与统一关系。现代平面设计必须要在构图布局时处理好元素之间的关系，在物象的表现方面有很大的空间自由和组合范围，事物之间疏密相宜，做到既有视觉上的审美感受，又能使画面生动形象，富有节奏和韵律感，丰富了画面的内容和表现力。香港著名设计师陈幼坚先生的海报设计《设计与生活》，作品中只有一双筷子与一只手，主题突出，构图简单，体现了构图布局中“疏”的一面。除此之外，画面中筷子的元素是由密密麻麻排列在一起的一本本书堆积而成的，寓意着设计工作是一个不断学习与知识积累的过程，使画面得到了“密”的布局效果，整幅作品密中有疏、疏中有密，两者结合十分完美。

（二）虚实关系中国画注重“意象外之意”的意境营造

首先强调的就是画面的虚实关系。中国画的虚实关系以“留白”、“计白当墨”、“以实观虚”的理念来表现画面，给人以更多的想象空间，正如清代画论家笪重光所言“虚实相生，无画之处皆成妙境”。因此，中国画是一种“意象”艺术，“意”起着支配作用，“象”从属于“意”，以“意”造象，一切以“意”为之。如中国道家太极图，一阴一阳、一实一虚，正向我们揭示着中国传统美学和哲学思想中的精髓。现代平面设计与中国画一样注重画面的虚实关系，实物虚化，虚物实化，通过空间上的合理安排，起到似实而虚、活跃画面与烘托气氛的作用。中国当代著名设计大师靳棣强先生的海报设计《勇破成规》，虽然作品中有大量的留白，但却丝毫不觉空洞，画面虚中有实，静中有动，无为而无不为。这种处理画面留白的布局方式及其所产生的独特视觉效果，逐渐受到现代平面设计师的青睐与重视。

三、中国画色彩在现代平面设计中的运用

中国画色彩主要是受儒道思想的影响，依托文化下的主观色彩，更多的意味为人格物象特征的表现。由于中国道家主张无为逍遥的思想，提出“无色而五色成焉”的“素色”色彩观，并且在传统绘画中被赋予更多的人文性，这种观念也是对道家老庄“纯素之道，惟神是守”思想的顺应。在传统文化的熏陶与影响下，中国画强调主观的色彩描摹，讲究理性化和情感化，常常根据画面与描绘对象的内容需要，自由灵活地发挥色彩的作用，概括提炼对象的固有色。中国画色彩既有鲜艳矿物质颜料，又有透明质细的植物色，具有独特的表现形式与强烈鲜明的色彩艺术风格，在世界绘画艺术宝库中有着极为重要的地位。因此，在现代平面设计中运用中国画的色彩表现手法，不仅是融合并发展了中国传统绘画艺术精神与表现特点，其简洁鲜明的颜色识别度高，也更易于表达作者的思想情感，使观者产生深刻的视觉印象。例如，香港著名设计师韩秉华先生将传统墨色与现代时尚色彩相结合，创作出城市文化系列招贴设计《苏州印象》。整个系列作品沉默幽静、清新儒雅，前两幅作品通过对中国传统墨色元素的使用让人感受到中国水墨画与苏州这座城市完美结合的意境，宛如一个温柔秀丽的江南女子在水墨的黑白浓淡之间款款而来，让人迷醉。系列作品的第三幅则是采用一种绚丽混沌的色彩组合元素，把江南水乡的温润与明丽表现得淋漓尽致。再如，在靳埭强先生的海报作品《九九归一•澳门回归》中可以看到，画面语言对中国画形式的借鉴较多，包括对笔墨的灵活掌握以及颜色搭配等。这幅海报设计作品没有使用中国传统的喜庆之色去渲染整个画面，而是使用澳门市花的一片莲瓣，落在“99”二字组成的涟漪，并将中国画的墨色与粉色的莲瓣相结合，既体现了出淤泥而不染的高尚精神，又表达了澳门与祖国百年分离之后，即将回到祖国母亲怀抱的激动心情。

四、结束语

平面设计论文 篇8

普遍情况下，设计被分成平面设计、立体设计、空间设计。平面设计是指在平面上，通过文字、图形、色彩、版式安排，具有艺术性、功能性、相应的科学技术含量并具有时代特性的设计。

随着现代科技的调整发展和设计领域不断地扩大，设计又因此被分为视觉传达、产品设计、环境设计等。平面设计与视觉传达设计在一般情况下同指一个范围。在很多时候，有很多人对平面设计与视觉传达设计的认识存在很大误区，他们认为这是两个非常不同的概念，但分不清他们到底从哪区别。一般来说，平面设计与视觉传达设计，同指在二维空间之上的设计，只是从不同侧面表述而己。平面设计重在设计之“物”，而视觉传达设计重在为“人”设计。但两者都是在二维空间上进行设计，然后把所要表述的信息通过刺激“人”的感官而达到其目的。严格地说，平面设计较视觉传达设计的范围，稍微窄一点。视觉传达设计除了包含二维空间设计外，还包含三维空间的展示设计，展示设计不仅仅包括“物”“人”，还包括“场地”和“时间”。因此平面设计与视觉传达设计不能等同论之。

二、找准创意切入点是做好平面设计的关键

现代平面设计紧随着时代的步伐，不断在更新换代，随着新思维、新观念、新科技、新媒体、新材料开发利用，表现形式越来越复杂。设计者不得不时常寻找一个最为恰当的设计切入点，让他们的平面设计一鸣惊人。

作为平面设计者的我们，如何在这琳琅满目、层出不穷的平面设计大海中脱颖而出呢？如何在这更新热浪中迎接滚滚而来的挑战，鹤立鸡群呢？这就要求设计者有着独到的创意，这种创意既显个性，也最为受众所认可与接受。怎么做到这一步呢？关键之一就是要找准平面设计的最佳切入点。

权威人士认为“一个伟大的平面设计不是一个好的广告所要传达的东西；一个伟大的平面设计能改变大众文化，一个伟大的平面设计就是能够开创一项事业或挽救一家企业。”有专家形容，平面设计好比一个塑造过程：在受众的脑海中塑造一种虚拟的形象，并不断的使这种形象更加清晰、更牢固。在这个过程中设计师所设计的作品，就是商家在市场中立足和发展的媒介。不管是从商业还是从非商业去思考，平面设计伟大的关键在于创意；创意的本质，就是改变，甚至是颠覆。因此，找准最佳创意切入之点是做好平面设计的关键。

三、创意切入点的路径与手段

1.平面设计的构成元素是创意切入点的直接通道

平面设计的构成元素包括：文字、色彩、图形。

平面设计作品中的文字已不仅仅是从字意上传递信息、表述内容，而是更多的可以从形态上追求个性化、风格化的形式语言，从而达到作品整体性状态的具体指向。当文字作为平面设计中的一个元素时，文字的形状、大小、位置、排列疏密，本身的节奏、韵律都能传递特定的信息。作为与点、线、面、色彩一样的视觉符号，在形式的安排下，使之在结构上成为不可分割的设计元素，从而赋予了文字更深刻、更丰富的内涵。

色彩是一个无声的语言，它能通过它的冷暖色调、明度纯度、色彩调和、对比、大小面积、位置等把设计者想传达的信息传达给受众。它能反映某种民族文化，能传递喜怒哀乐、酸甜苦辣，能表达人情冷暖。合理的色彩运用，可以把最佳的设计主题信息传递给受众。

图形，在平面设计中称插图，是现代平面设计必不可少的构成元素，插图形式多种多样、包括摄影、绘画、构成图形等。比如用摄影作品作广告，以它为广告设计主体，在其上加以再创作的艺术表现形式，它明确清晰的视觉形象比文字、符号及抽象的构成形式更为直接和可读，这是以一种情节化的姿态来阐述其广告主题的，因此设计可充分利用图形这一元素直接进入平面设计主题。

文字、图形的合理编排也是平面设计创意切入的一个通道，我把其归之为平面设计构成元素之中。

2.设计目标的准确定位是创意切入点的主要渠道

我们做平面设计，尤其是商业方面的平面设计，创意的形成始终有一个核心点来支持，这一核心点指的是消费者、市场动态、生产定位三个层面，它是设计的核心目标，是创意切入点的主要渠道。

这种创意之“点”非常难以寻找，因为创意点是由目标消费群的所需和产品结构定位、市场局势三者最佳结合所产生出来的。消费群的需求方向是一个不定式，而产品对其的产生吸引力的点也颇多，但你所要确定的却只有一点。竞争的潮流中，同类产品越多，创意设计的水准就越高，切入新点就越不容易找到。我们因此要对消费群、市场动态、生产定位有一个全方位的掌握，通过设计者的脑，收集信息、发散联想、归纳精简、提炼，然后确定创意最终切入点，直到设计作品出炉。不同的设计师有不同思维，他们创意切入点也就有所不同。但总体有三个大的切入点：消费群、生产定位、市场需求。消费群是商品主要需求对象。

3.民族文化的理解运用是创意切入点的重要渠道

世界之所以丰富多彩，不同民族文化有着不同的生活与意识观，行为模式、生活情趣、思维方式、价值观念有着独特的偏向，创意设计的切入点从民族文化上下手，会有着意想不到的效果，因为各民族鲜明的文化特质，最能吸引观众，它即是民族的、却也是世界的。

平面设计本身就是一种文化，也是一门艺术，而创意则是设计艺术的灵魂。我们以广告为例，设计者在做广告设计之前首先对广告主题内容、表达形式所进行的观念性的文化构思，然后对其中锁定受众的社会文化，民族特色、生活习俗、人文地理的了解。其目的在于把产品信息高度凝炼，植入公众认同的文化氛围之中。

靳埭强先生的设计作品多运用中国水墨文化。水墨画是中国画的一种，是中国民族文化的缩影，内含了中国古老文化的精髓，文明古人在以水墨抒怀的同时也赋予了水墨浑厚的文化底蕴。靳先生在现代平面设计中借用水墨文化来表现，充分体现了靳先生对水墨文化语言深度理解与深厚的中国传统文化修养。他从整体的表现形式、构图结构中体现出东方文化的审美理念。大师采用的天圆地方、平衡稳重、大面积留白等这些构图形式也源于中国传统的古代哲学和审美意识。

把一种新的创意手法培植于传统文化的根基上，可以在日新月异的国际创意的发展中出现更大的空间，对于正在发展社会中的平面设计者，提供又种新的展现平台。

4.设计工具是创意切入点传递的重要手段

我们做设计，起初是手绘，然后有了印刷，之后出现了摄影、电脑图形图像处理。综合运用不同的设计工具，是现代设计最常用也非常重要的设计手段。手绘的痕迹，真实与抽象的照片形式、电脑的后期处理等艺术创作手段的混合使用，使得创意主题的传达更为准确，也使得作品的整体性更加完本论文由整理提供

善。新的表现手段的应用，一方面使作品的设计周期大大缩短，作品更加真实可信，另一方面使设计涉及的范围越来越广，原来不敢想象的表现手段成为可能。设计的题材和表现方法也不断地扩展，这其中最重要的是设计师的思维不停地在运转，思维方式在不断的发生变化，致使整个社会中的受众人群也相应的运转和改变。

当然，设计工具不意味着无所顾忌地作为设计手段而加以滥用，比如电脑处理图像与文字时，如果文字设计面目全非，或在某种程度上形成了视觉上的混乱与无序，从而在阅读上产生障碍；只为好看而把摄影图片随便引用插入，不考虑内容与主题；不考虑色彩本身的含意与色彩与民族文化、生活习俗的联系而滥用等，这种毫无目标地去设计，都会给设计界带来严重的伤害。

四、小结

总之，平面设计的创意切入点会层出不穷，因为创意切入点的界定是随着受众对事物不同状态的接受程度而定的，所以切入形式复杂多变。随着时间的推移，时代的进步，设计的观念也在不断地变化。过去被禁止的，现在正在盛行，而现在被禁止的，也许将成为将来的创意规则，因此最佳切入点的路径与手段也因此而变化着。有一点，过去与现在却都是相同的，那就是：想做好一个平面设计，你必须努力，尽可能寻求到最佳切入点，使你的平面设计更能吸引受众眼球，达到设计目的。

参考文献：

[1]尹定邦著。设计学概论[M].湖南：湖南科学技术出版社，2004.6

[2]郭茂来著。视觉艺术概论[M].北京：人民美术出版社，2000.7

[3]解勇。张世卓。杨晨光。世界平面设计新搜索[M].辽宁：辽宁美术出版社，2000.12

[4]南云治嘉著（日本）黄雷鸣等译：视觉表现[M].北京：中国青年出版社，2004.7

平面设计论文 篇9

（一）平面设计软件介绍

1.静态软件

静态软件指的是一些用来设计静态效果的软件，常见的有Photoshop和Painter。Photoshop是Adobe公司推出的位图图像处理软件，它的功能非常强大，具有图像处理功能，包括图像处理，彩色图像处理，图像合成处理和图形大小处理，支持多种色彩模式，和不同的格式输出功能，可以方便选择，并调整图像编辑器，进行调整色彩和绘画等。Painter是数字绘画工具的终极选择，是一个非常不错的仿自然绘画软件，拥有全面和逼真的仿天然画笔，是在同级别中最好的产品，高度赢得了业界的一致好评。

2.动态软件

动态软件是指一些用来设计动态效果的软件，常见的有Flash和ImageReady。Flash是由Macromedia公司推出的交互式矢量图和Web动画的标准，一些需要改变导航界面大小或者需要做出一些奇特效果的工作，都可以通过Flash创建，Flash是世界上第一个商用二维矢量动画软件。ImageReady软件可以优化Photoshop图像处理，使之更适合网页设计，图像分割。也可以自动创建HTML文档，您可以创建一个简单的GIF动画。但不支持CMYK色彩模式，不能与印刷相关图像处理，它是一个网络特定的图像处理工具。

（二）设计软件与平面设计

计算机设计软件是一个工具软件，计使用算机软件比一些传统的手绘方式要快、要准确的精度，要高的准确率。所以要想更好、更充分展示现代平面设计的艺术，就需要熟练的掌握各种类型的电脑设计软件的使用方法。然而先进的计算机设计软件只是作为一个工具来使用，无论计算机软件有多少的功能，它都不会向人一样的进行思考。所以即使一个设计师可以利用软件得到一些奇特的效果，但是没有反应出设计师的艺术水平和作品思想，那设计出来的作品也不会具有什么艺术价值。可见设计师的艺术水平是设计出好作品的关键。

二、软件对平面设计的影响

（一）软件取代原来平面设计的工具

传统图形设计是手工完成的，在生产的过程中，你需要完成三个过程，第一步“收集数据”，收集在我们的生产中的图形、图像和文本；第二步是“制作”，通过使用工具和技术生产；第三步“出图”，你将好的设计框架，模糊显示。使用纸和铅笔手绘设计，每一个改变需要付出大量的时间和精力，但最终的效果并不完美。在计算机设计软件中的画笔，喷枪等其他设计所需的工具应有尽有，不仅如此，如果一些工具不能满足设计师的需要，设计师可以对工具进行重置，知道满足要求。同时，现代图形设计人员不需要使用油漆，只要部署的调配色可以得到所需的颜色。然而一些传统的方法就很难达到现代平面设计的功能，比方说想要在任何方向的移动或者是按比例放大或在任意旋转的实现等。有的具有多功能的平面设计软件还允许层次化设计零件和分解的任意组合。

（二）软件可以避免一些复杂繁琐的工作

计算机设计软件不仅精度高，速度快，并且可以绘出很难控制的图形，还可以通过计算机设计软件，对设计的图像进行复制、镜像、旋转命令，由此设计师就可以得到各种各样的变化和组合以实现某一目标。如果设计师想利用传统的平面设计方法对图像进行修改，很难做到修改后的图像上痕迹不会消失，然而一些设计软件的使用这些问题就得到到了解决，而且在原图上根部看不到任何变化，节省了很多的修补时间，使设计的效率也得到了提高。计算机软件的使用使的传统图形设计方法需要七八天才能完成的工作，计算机软件或许一天就能完成，也可以达到传统的平面设计方法不能满足清晰度和准确性。平面设计师将多种颜色进行混合调配，从而得到一些多彩的设计效果。我们可以通过互联网搜索下载所需的材料，或收集好图形、图像和文本由扫描仪、数码相机进入计算机存储设备可以完成数据收集，不仅可以提高信息采集的速度，也降低了成本。

（三）使人们的艺术想象变为现实

一些想象力丰富、创作灵感比较强的设计师可以通过现在平面设计的软件，把他们大脑中的艺术想象变成现实。而且各种各样的设计软件的使用，不仅使设计的效率得到了提高，还可以把平面设计师想表达的思想和艺术灵感充分的表现出来，也就是说只要平面设计师具有艺术灵感，那么结合计算机软件的操作，就可以完成设计。平面设计是一种规划，所以在设计的过程中是具有针对性的进行设计，在现代平面设计中，平面设计师的一些想法需要用视觉元素来表现出来，通过一些文字和图形的使用把想要表达的信息对公众进行传递。现代平面设计结合了艺术和技术的手段，所以只有学会对现在一些先进的设计软件，才能将设技师的想法充分表现出来。

三、结论

总之，计算机软件是平面设计师想完成现在设计要求的重要手段。一名优秀的现代平面设计师在完成设计工作，不见需要精神思想丰富和积累深厚的艺术修养，而且要具有学习和使用各种各样的计算机设计软件，将自己的想法更准确，更艺术的和人类交流，每个人都意识到自己想法的独特性。现在任何以一种设计图像的完成都需要电脑软件的参与，计算机软件的使用为现在理念的融入提供了可能，科学与艺术的完美融合是人们大脑中的创意便成了现实，可见设计软件对于平面设计的影响。

平面设计论文范文 篇10

平面设计本身是种对生活方式的创造。在人类历史上，设计成为一种独立的活动时也标志着

人类文明进程的前进步伐。但客观地看，目前的平面设计教学自身还不很完善。

首先，在教学中重视造型基本功，这本无可厚非，但却同时忽略了学生的创造性。我们应该知道一个浅显的道理：站在巨人的肩膀上可以看得更远。今天的学生正是在前人成功的基础上前进。因而，旧的平面设计教学体系显然已经不适应当前形势。正如用安格尔的方法不会有凡高；用徐悲鸿的方法也不会有贝聿铭一样，纯美术(油、版、雕)的造型训练、色彩练习，对于平面设计而言，并不是完全适用的。

其次，在大学四年的课程安排中，过多的基础训练，导致了学生对理论研究的严重不足。平面设计是一个边缘学科，学科间的交叉明显。因而，在教学过程中，多安排一些理论课是有必要的。

再次，前面提到了“包豪斯”的教学。本来，包豪斯重实践、重技术与艺术的结合等等，都是平面教学应当学习的。但由于一开始对其理解的偏差，导致了今天各院系的平面设计专业明显地缺乏活力、创造力，对平面设计的理解也明显落后于时代。很多学生作品毫无新意，且忽略了自身的民族特点，放弃了几千年来中华民族的文化积淀，没能很好地将平面设计教学与社会生活联系起来。

二、加强平面设计教学的几点建议

1.课程体系中应增设“设计管理”课程

过去我们搞平面设计教育，以工艺美术教育为主。自八十年代初期以来，从日本和我国香港、台湾等地区引进企业形象策划(CI)潮以来，教学上就有了些改革。基础教学我们沿用的依然是包豪斯传下来的三大构成。这时候的平面设计专业(或者装潢专业)的课程设置以企业形象策划为主。而且在引进CI方案时，我们把它分为：MI(理念识别)，BI(行为识别)，VI(视觉识别)三大块。设计专业的教学以视觉识别为主。而“设计管理”课程是在市场化的前提下、在设计专业发展的过程中逐步建立的。从我国改革开放到今天总共不过23年，各领域都在经济大潮中摸索着前进。我们的现代设计教育时间更短，“设计管理”课程的缺失是有其原因和社会背景的。随着改革开放的深入，企业内部科学的管理体系也逐渐完善。在此基础上，设计师面临的与创作对象(企业)之间的交流日益重要，“设计管理”课程也就提上日程。

在过去我们的平面设计教学中，仅以设计的基本创作为主线，没有注意到与创作对象(企业)之间的沟通，再加上技法滞后等造成：

(1)学生只顾埋头做手工设计的技法练习和相应的简单肤浅的设计思想的思考，对设计的深入思考缺少认识。

(2)理论体系不健全，对所学专业企业形象策划(CI)缺少认识的完整性、高度性。

(3)目前我国在法律、法规、市场运作等方面处于一种逐渐完善的阶段。因此对设计管理课程的设置应有所高度的认识。

2.平面设计教学应模糊学科间的边缘界限

在这样一个知识大爆炸的时代，设计学科的边缘性要求新的设计人才必须是综合性人才，而不是一味地“专”下去。平面设计在现代社会扮演的不仅是传达信息的角色，同时还担当了传达思想的、甚至是传承文化的重担。因此，要注重培养学生各方面的综合素养，如文学、哲学、艺术等。要让学生认识到平面设计专业自身就是艺术、技术、社会生产力等交叉而兴盛的一种新的学科，其自身的边缘性应在教学中得到体现。另外，还可在课程中尝试开设市场学、消费心理学等课题。当然，在强调学科“边缘性”时，并不是要求平面设计者个个成为多面手。模糊学科间的界限，不是模糊专业本身，只是学科间的交叉有利于平面设计自身健康、全面地发展下去。既然平面设计成为一门独立的学科，那么，专业性是其立足点。

3.平面设计教学要注重个性化设计的培养

20世纪80年代中期，电脑的出现为我们的设计带来了前所未有的变革。速度和质量是其最突出的表现，它大大提高了平面设计者的工作效率和作品的制作工艺。在这种形势下，平面设计教学工作应主动适应不熟悉的领域，要在这个需求逐渐提高的新环境中不断提高平面设计教学的水平，跟上科技的进步的步伐。面对科技带来的种种压力和飞速发展的商业环境，设计教育的重要性不断增强，对设计者潜在能力的要求不断提高。

随着电脑的普及和软件的应用，平面设计逐步走向程式化，这就要求设计创意必须具有个性。设计的本质是创造，设计创造源于设计的创造性思维。个性化是设计师对平面设计个性差异的独到见解。平面设计教学应通过对设计原理、设计内容等理论知识的讲授，注重培养学生设计创意个性化的表达，倡导设计风格，挖掘个人与众不同的创造性思维，使设计具有鲜明、独特的个性表达和强烈的视觉冲击力。

4.平面设计教学要符合人性化与绿色设计需求

工业文明给人类带来了种种危机，例如资源的破坏、能源浪费、生态环境失调等。因此二十一世纪设计的突出主题是人性化设计与绿色设计，此种设计承载了对人类精神和心灵慰籍的重任。不同年龄的人对设计有不同的需求，年轻人通常喜欢能够充分张扬个性和体现青春活力的设计；年壮者对那些能展示成熟与自我成就感的设计情有独钟；年老者则希望设计体现出怀旧感和饱经沧桑的平静感。因此，设计应以人为本，注重人文关怀，围绕人的需要展开。绿色设计强调保护自然生态充分利用资源，以人为本与环境为善。这给平面设计教学提出了一个严峻的课题，平面设计师有责任使平面设计维持合理的视觉秩序，制止材料污染和视觉污染。另一方面，通过传达对环境的关注与自然相关的图像以及文字也具有非常重要的意义。设计师们开始意识到他们在纸张耗费与污染技术应用方面所扮演的主要决策人的角色。1996年美国平面造型艺术学院出版了《平面设计中环境责任指南》，又为某纸张制造商起草《设计之生态学》手册，为美国设计师提供了关于减少对环境冲击的指导。在中国人们也已逐渐意识到以人为本的绿色设计的重要性以人为本的绿色设计将会是中国平面设计教学过程中长期的目标。

平面设计论文 篇11

普遍情况下，设计被分成平面设计、立体设计、空间设计。平面设计是指在平面上，通过文字、图形、色彩、版式安排，具有艺术性、功能性、相应的科学技术含量并具有时代特性的设计。

随着现代科技的调整发展和设计领域不断地扩大，设计又因此被分为视觉传达、产品设计、环境设计等。平面设计与视觉传达设计在一般情况下同指一个范围。在很多时候，有很多人对平面设计与视觉传达设计的认识存在很大误区，他们认为这是两个非常不同的概念，但分不清他们到底从哪区别。一般来说，平面设计与视觉传达设计，同指在二维空间之上的设计，只是从不同侧面表述而己。平面设计重在设计之“物”，而视觉传达设计重在为“人”设计。但两者都是在二维空间上进行设计，然后把所要表述的信息通过刺激“人”的感官而达到其目的。严格地说，平面设计较视觉传达设计的范围，稍微窄一点。视觉传达设计除了包含二维空间设计外，还包含三维空间的展示设计，展示设计不仅仅包括“物”“人”，还包括“场地”和“时间”。因此平面设计与视觉传达设计不能等同论之。

二、找准创意切入点是做好平面设计的关键

现代平面设计紧随着时代的步伐，不断在更新换代，随着新思维、新观念、新科技、新媒体、新材料开发利用，表现形式越来越复杂。设计者不得不时常寻找一个最为恰当的设计切入点，让他们的平面设计一鸣惊人。

作为平面设计者的我们，如何在这琳琅满目、层出不穷的平面设计大海中脱颖而出呢？如何在这更新热浪中迎接滚滚而来的挑战，鹤立鸡群呢？这就要求设计者有着独到的创意，这种创意既显个性，也最为受众所认可与接受。怎么做到这一步呢？关键之一就是要找准平面设计的最佳切入点。

权威人士认为“一个伟大的平面设计不是一个好的广告所要传达的东西；一个伟大的平面设计能改变大众文化，一个伟大的平面设计就是能够开创一项事业或挽救一家企业。”有专家形容，平面设计好比一个塑造过程：在受众的脑海中塑造一种虚拟的形象，并不断的使这种形象更加清晰、更牢固。在这个过程中设计师所设计的作品，就是商家在市场中立足和发展的媒介。不管是从商业还是从非商业去思考，平面设计伟大的关键在于创意；创意的本质，就是改变，甚至是颠覆。因此，找准最佳创意切入之点是做好平面设计的关键。

三、创意切入点的路径与手段

1.平面设计的构成元素是创意切入点的直接通道

平面设计的构成元素包括：文字、色彩、图形。

平面设计作品中的文字已不仅仅是从字意上传递信息、表述内容，而是更多的可以从形态上追求个性化、风格化的形式语言，从而达到作品整体性状态的具体指向。当文字作为平面设计中的一个元素时，文字的形状、大小、位置、排列疏密，本身的节奏、韵律都能传递特定的信息。作为与点、线、面、色彩一样的视觉符号，在形式的安排下，使之在结构上成为不可分割的设计元素，从而赋予了文字更深刻、更丰富的内涵。

色彩是一个无声的语言，它能通过它的冷暖色调、明度纯度、色彩调和、对比、大小面积、位置等把设计者想传达的信息传达给受众。它能反映某种民族文化，能传递喜怒哀乐、酸甜苦辣，能表达人情冷暖。合理的色彩运用，可以把最佳的设计主题信息传递给受众。

图形，在平面设计中称插图，是现代平面设计必不可少的构成元素，插图形式多种多样、包括摄影、绘画、构成图形等。比如用摄影作品作广告，以它为广告设计主体，在其上加以再创作的艺术表现形式，它明确清晰的视觉形象比文字、符号及抽象的构成形式更为直接和可读，这是以一种情节化的姿态来阐述其广告主题的，因此设计可充分利用图形这一元素直接进入平面设计主题。

文字、图形的合理编排也是平面设计创意切入的一个通道，我把其归之为平面设计构成元素之中。

2.设计目标的准确定位是创意切入点的主要渠道

我们做平面设计，尤其是商业方面的平面设计，创意的形成始终有一个核心点来支持，这一核心点指的是消费者、市场动态、生产定位三个层面，它是设计的核心目标，是创意切入点的主要渠道。

这种创意之“点”非常难以寻找，因为创意点是由目标消费群的所需和产品结构定位、市场局势三者最佳结合所产生出来的。消费群的需求方向是一个不定式，而产品对其的产生吸引力的点也颇多，但你所要确定的却只有一点。竞争的潮流中，同类产品越多，创意设计的水准就越高，切入新点就越不容易找到。我们因此要对消费群、市场动态、生产定位有一个全方位的掌握，通过设计者的脑，收集信息、发散联想、归纳精简、提炼，然后确定创意最终切入点，直到设计作品出炉。不同的设计师有不同思维，他们创意切入点也就有所不同。但总体有三个大的切入点：消费群、生产定位、市场需求。消费群是商品主要需求对象。

3.民族文化的理解运用是创意切入点的重要渠道

世界之所以丰富多彩，不同民族文化有着不同的生活与意识观，行为模式、生活情趣、思维方式、价值观念有着独特的偏向，创意设计的切入点从民族文化上下手，会有着意想不到的效果，因为各民族鲜明的文化特质，最能吸引观众，它即是民族的、却也是世界的。

平面设计本身就是一种文化，也是一门艺术，而创意则是设计艺术的灵魂。我们以广告为例，设计者在做广告设计之前首先对广告主题内容、表达形式所进行的观念性的文化构思，然后对其中锁定受众的社会文化，民族特色、生活习俗、人文地理的了解。其目的在于把产品信息高度凝炼，植入公众认同的文化氛围之中。

靳埭强先生的设计作品多运用中国水墨文化。水墨画是中国画的一种，是中国民族文化的缩影，内含了中国古老文化的精髓，文明古人在以水墨抒发情怀的同时也赋予了水墨浑厚的文化底蕴。靳先生在现代平面设计中借用水墨文化来表现，充分体现了靳先生对水墨文化语言深度理解与深厚的中国传统文化修养。他从整体的表现形式、构图结构中体现出东方文化的审美理念。大师采用的天圆地方、平衡稳重、大面积留白等这些构图形式也源于中国传统的古代哲学和审美意识。

把一种新的创意手法培植于传统文化的根基上，可以在日新月异的国际创意的发展中出现更大的空间，对于正在发展社会中的平面设计者，提供又种新的展现平台。

4.设计工具是创意切入点传递的重要手段

我们做设计，起初是手绘，然后有了印刷，之后出现了摄影、电脑图形图像处理。综合运用不同的设计工具，是现代设计最常用也非常重要的设计手段。手绘的痕迹，真实与抽象的照片形式、电脑的后期处理等艺术创作手段的混合使用，使得创意主题的传达更为准确，也使得作品的整体性更加完本论文由整理提供

善。新的表现手段的应用，一方面使作品的设计周期大大缩短，作品更加真实可信，另一方面使设计涉及的范围越来越广，原来不敢想象的表现手段成为可能。设计的题材和表现方法也不断地扩展，这其中最重要的是设计师的思维不停地在运转，思维方式在不断的发生变化，致使整个社会中的受众人群也相应的运转和改变。

当然，设计工具不意味着无所顾忌地作为设计手段而加以滥用，比如电脑处理图像与文字时，如果文字设计面目全非，或在某种程度上形成了视觉上的混乱与无序，从而在阅读上产生障碍；只为好看而把摄影图片随便引用插入，不考虑内容与主题；不考虑色彩本身的含意与色彩与民族文化、生活习俗的联系而滥用等，这种毫无目标地去设计，都会给设计界带来严重的伤害。

四、小结

总之，平面设计的创意切入点会层出不穷，因为创意切入点的界定是随着受众对事物不同状态的接受程度而定的，所以切入形式复杂多变。随着时间的推移，时代的进步，设计的观念也在不断地变化。过去被禁止的，现在正在盛行，而现在被禁止的，也许将成为将来的创意规则，因此最佳切入点的路径与手段也因此而变化着。有一点，过去与现在却都是相同的，那就是：想做好一个平面设计，你必须努力，尽可能寻求到最佳切入点，使你的平面设计更能吸引受众眼球，达到设计目的。

参考文献：

[1]尹定邦著。设计学概论[M].湖南：湖南科学技术出版社，2004.6

[2]郭茂来著。视觉艺术概论[M].北京：人民美术出版社，2000.7

[3]解勇。张世卓。杨晨光。世界平面设计新搜索[M].辽宁：辽宁美术出版社，2000.12

平面设计论文 篇12

1．经过我的一些阶段性研究调查总结，目前高校平面设计教育中存在诸多问题：

(1)平面设计学科及专业定位不明确。我国现有超过千所高校开设平面设计教育专业，教学规模急剧扩张的同时造成培养目标不明、观念陈旧、学科定位不清、教学不规范、教育方法陈旧、课程体系和内容不完善等。

(2)大多数高校平面设计专业学生学习的过程中与外界接触的机会甚少，缺乏实践动手能力。

(3)学生对时代的发展、对新媒体影响设计的程度了解不够，学生只是顺理成章地完成教学需要的基本课程，没能在思维能力上有自主创新意识。

(4)数字媒体设计范围日趋增大，时代对平面设计教育体系提出更高要求，各类设计学科的交叉化成为现代平面设计的重要趋势。当前我们面临的最大挑战莫过于大众化、全球化以及日趋成熟的市场经济对平面设计及其教育体系带来的革命性冲击。教育需要面向未来、面对商业化，需要与实践相结合，因此我国平面设计教育体系在时代趋势下如何充分运用新科技、新思想、新设计、新科技的变化进行创新，新型平面设计素质教育改革已刻不容缓。

2．对数字媒体技术下平面设计教育改革的探索

首先，转变教育观念是实施平面设计创新教育的前提。平面设计教育最核心问题是培养学生树立起现代平面设计新观念，在设计的多维化的实践过程中，展开无限遐想进而达到确切传达沟通信息的目的。因而高校平面设计教育体系应该以实施跨媒介创新教育为前提，转变学生的传统、刻板设计观念，形成运用新信息技术的习惯。其次，要归纳平面设计教育科目并创建出新体系。在教育教学理念上，应将数字媒体领域、计算机技术、平面设计三者相结合，培养符合当今社会发展需求的复合型人才，以面向需求及开放式办学为理念，大胆探索新的办学机制、教学模式并与实践相结合。提倡重视平面设计基础理论的研究，同时努力把中国文化和新媒体设计相结合，注入崭新的设计文化理念，使平面设计基础教学呈现生机勃勃的信息时代特色，多层次的培养具有国际化视野、新媒介思维的平面设计技术人才。再次，平面设计教学过程中教育者要寻求跨媒介教育融合，努力提升“创意”这一设计的灵魂元素，以文化创意实现价值再造。促进创意产业与其他产业相结合，产生I+I＞2的效果。所以，平面设计教学过程中要以数字媒体人才培养为中心，着重突出计算机技术与艺术跨学科能力培养，把培养高素质、高技能的计算机技术与平面设计结合的复合型创新人才作为目标。

二、结语

平面设计论文 篇13

对于平面设计而言，视觉是主体的感官设计。由于技术的提升，设计师在平面设计中加入了听觉感官的影响，改变了人们单一阅读信息的形式。例如，近来比较流行的懒人听书这个软件，就是将视觉和听觉有机结合在了一起，人们可以一边看书，一边听声音的变化，视觉可以让我们在脑海中想象书中的场景，而声音中所饱含的情感，为作品赋予了生命和活力，使人们产生身临其境的感觉，真正得到读书的乐趣，体会到作者最真实的情感和所要表达的主题思想。在传统平面设计的日益衰落下，加入听觉的感官刺激，无疑是给平面设计注入了一剂有力的强心剂。设计师为了保证作品能为大众需求，就会寻找更为独特的视角，突出的形式也会有所改变。最具代表性的就是电视广告的设计，设计师不再追求文字的整齐划一，而是有选择地突出广告商品的某一特性，而后通过配音的效果加以强调，给消费者留下深刻的印象，从而促进商品的销售。

2信息时代利用平面设计传播信息的策略

2.1强化平面设计的编译技术在信息技术影响下的平面设计，需要通过对客观物体的编译达到主观情感表达的过程，这就要求设计师要从技术、意义和审美三个方面加强对平面设计的编译。首先是技术方面的编译，即设计师要通过对符号、文字、材料等重新排列组合、形成崭新的平面设计，然后利用计算机编码技术，将其转化为0和1的二进制编码，再经过转码将原来的设计再现，使用色彩的渲染，让设计更加突出。其次，平面设计都有其代表的特殊意义，将抽象的意义用平面设计的方式具体化的表现出来，使之为大众接受，并深刻记忆。另外，平面设计的内容要符合当代的审美标准，紧跟时展的步伐，才能体现出更为深远的现实意义。例如，在2008年北京奥运会的会徽设计中，设计师将会徽分为上中下三部分，上面是红底白色的“京”字，象征着中国的首都——北京，同时，整个“京”字用象形文字绘制而成，代表了中国悠久的历史传承，酷似奔跑的形式，表现了奥运会更快更高更强的宗旨，“京”字下面是用英文组成的“Beijing2008”的图案，表示与国际接轨。整个会徽的设计没有一处不体现出北京对世界人民的欢迎以及对奥运会宗旨的实践。奥运会会徽的设计是平面设计编译技术的完美体现，成为一种精神的象征。

2.2注重客观物体主观化的转化随着时代的发展和社会的进步，人们越来越追求个性化的发展。因此，对平面设计的要求也趋近于个性化的设计，要求加入个人的想法，其实也就是将自身的主观意念融入客观物体中，完成平面设计对情感的寄托。一般而言，将客观物体主观化需要注意以下几点：第一，设计师要明确设计的主体，使用线条、文字、符号等设计元素将其特点完全展现出来，尽量不要遗漏任何一处细节。第二，考虑到个人情感地融入，可以采用象征、联想、白描等表现手法，将平面设计形象化，赋予其情感表达，但不改变其本质。第三，平面设计要遵循一定规则，以市场需求和大众审美为导向，切忌天马行空，使用一些生僻的设计理念和形式，让人们对设计产生迷茫的心理效应，不利于平面设计的信息传播。只要设计师在平面设计时能够注意并避免这些问题，在常规设计的同时，也融入自身个性化的见解，提倡新型的设计风格，必然能在平面设计这个领域获得更高的成就。

2.3增强平面设计大众化的意识平面设计最终面向的市场是大众，所以无论是平面的设计还是表达，都必须能被大众所接受。这就要求设计师在进行平面设计时，要树立大众化意识，了解市场走向和人们的生活状态。所以，在进行平面设计之前，设计师要对人们基本情况有一个大致的了解。首先，由于人们年龄段的不同，导致生活阅历不尽相同，一般来说，年龄较大的人较不易接受新型的事物，他们的情感在时间的流逝中更加厚重，而年轻人不谙世事，追求刺激，对新的观念的设计有着狂热的追捧，根据这一特点，设计师要针对不同年龄阶段的人设计不同的作品，从而达到信息的有效利用。其次，人们对于平面设计的符号、文字等都有不同的理解，这与人们接受的教育程度有关，平面设计由图形、文字、线条、视频等要素组成，这些因素可能因为文化的差异而产生不同的理解，所以，设计师最好选用没有争议或存在争议较少的符号进行平面设计，从而消除人们对信息的误解。最后，人们的喜好是平面设计最重要的，也是最基础的原则，只有人们对设计的作品有着良好的情感体验，才能使作品传播的信息有效流通。

3结语